читай • пиши • делисьПерейти в журнал

Синяя пчела №5

07.04.2018

Автор: podlipentceva


Весна Священная

Первая выставка в галерее молодых художников

25 марта состоялось открытие выставки молодых петербургских художников "Весна. Возрождение". Это первая выставка, проходящая в новой галерее "Священная корова", открытой и курируемой студентами факультета теории и истории искусств Академии художеств. Выставка открыта до 25 мая.
Афиша выставки "Весна. Возрождение"
Основная миссия галереи - сделать выставочное пространство доступным для всех. У нас нет неподъёмной арендной платы и строгих условий. Мы не оцениваем художников по званиям и возрасту - среди участников нашей первой выставки как ученики и выпускники художественных вузов Петербурга (Академия художеств, Институт технологии и дизайна, Институт культуры), так и художники-любители. Всё, что имеет значение - это качество ваших работ и желание показать их людям!
Выставиться у нас может каждый!
Фото экспозиции выставки "Весна. Возрождение"
Выставка "Весна. Возрождение" была посвящена ярким краскам поры пробуждения природы, как символу нашего молодого проекта. К тому же жители нашего города давно устали от затянувшейся зимы, так что почему бы не скоротать время в ожидании тёплых деньков, любуясь искусством! Пусть цветы не торопятся появляться на улицах - у нас в галерее они уже цветут буйным цветом. На выставке вы не только зарядитесь весенним настроением, но и познакомитесь с современной творческой жизнью города: от натюрмортов до абстракций!
Фото экспозиции выставки "Весна. Возрождение"
Открытие выставки мы постарались превратить в дружескую встречу: цель галереи не только предоставить пространство, но и заниматься популяризацией искусства, создавать двухстороннюю связь между зрителями и творцами. Мы также хотим поспособствовать сплочению самих художников, которые на наших мероприятиях могут поделиться своим опытом и найти единомышленников. Помимо участников выставки среди гостей были члены союза художников и преподаватели Академии художеств, к которым можно было обратиться за советом и комментариями о работах.
Фото с открытия выставки "Весна. Возрождение"
Мы не хотим останавливаться на достигнутом и будем и дальше развивать наш проект! Наша галерея открыта не только для художников: у нас можно проводить лекции, семинары, круглые столы, мастер-классы и любые другие ваши мероприятия, связанные с искусством. А может вы придумали новый формат и не знаете, куда обратиться? Смело стучитесь к нам, мы всегда за эксперименты!
Фото с открытия выставки "Весна. Возрождение"
Если вы художник и хотите выставить у нас свои работы - самое время записаться на нашу следующую выставку "Здравствуй, стадион", которая пройдёт в июня-июле этого года. Тема выставки - спорт в искусстве.
Афиша набора участников на выставку "Здравствуй, стадион"
Тему даём в широком понимании, никаких жёстких рамок! По теме "спорт" с радостью возьмём как жанровые и портретные картины, так и тематические пейзажи (например со спортивными объектами или подходящими по теме памятниками), натюрморты, абстракции и так далее.
Набор участников на выставку проходит до конца мая! (возможно преждевременное закрытие набора, количество картино-мест в помещении ограничено).
По поводу участия пишите: vk.com/podlipentceva или podlipentceva@yandex.ru
Звоните: +7(921)897-84-54
А также следите за нашими новостями в группе в контакте: vk.com/artgallery_holycow!
Творите и показывайте свои творения миру вместе с нами!
Ксения Подлипенцева, 3 курс ФТИИ

ENLIGHTENED THOUGHTS

Просвещенные помыслы

В центре Санкт-Петербурга, в студии светового проектирования PROCВЕТ на набережной реки Мойки, 13 марта состоялся семинар по светотехническим проектам компании Delta Light.
Консультант по светотехническим проектам Delta Light Павел Дружинин ответил на вопросы: Что такое общее и направленное освещение?  Какую роль играет свет в архитектуре? Как влияет теплый и холодный свет на пространство? Что такое индекс цветопередачи?
Изображение из афиши мероприятия
Особое внимание в выступлении Павел уделил взаимодействию света с пространством, свойствам света и его роли в восприятии интерьера. Слушатели узнали новую информацию о постановке освещения в пространстве, о тонких нюансах оформления помещений, о важных моментах организации выставки, о правильной фокусировке внимания зрителя на предметы освещения. 
Павел Дружинин - член ассоциации светодизайнеров (PLDA), занимался разработкой концепций архитектурного и экспозиционного освещения для Русского музея, Государственного Эрмитажа, Пушкинского музея изобразительных искусств.
Семинар понравился зрителям, потому что осветили такую редкую и полезную тему. Также после презентации был показ светотехнических приборов компании Delta Light.
Фото с семинара по светотехническим проектам компании Delta Light
Компания Delta Light была основана в 1989 году коммерческим директором и инженером Полом Амелутом.
Стремясь к репутации надежного производителя элементов архитектурного освещения, Delta Light стала законодателем моды в области разработки проектов освещения для жилых, коммерческих и специализированных помещений. Компания имеет широкий спектр продукции для проектов разного масштаба – от мелких до крупных, включая квартиры, офисы, общественные места, демонстрационные залы, объекты сектора гостеприимства и ландшафтного проектирования.
Светотехника Delta Light имеет спрос как в России, так и за рубежом. Компания сотрудничает с несколькими музеями и частными галереями в Европе, где выставочное пространство дополняют светильники Delta Light.
Петрова Елена, 4 курс РГПУ им.Герцена

«Крылья — свобода, только когда раскрыты в полёте, за спиной они — тяжесть»

Можно ли считать это чудом, или просто выставкой одной картины, продолжающей серию выставок-фокусов, но событие обращает на себя внимание - с 21.11.2017 по 18.03.18 в Третьяковской галерее проходила выставка картины «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали», написанной В.М. Васнецовым в 1896 году. Выставка была подготовлена к 170-летнему юбилею художника и 100-летней годовщине убийства заказчицы картины – великой княгини Елизаветы Федоровны, причисленной к лику святых.
К сожалению, полотно практически всегда хранится в запасниках музея, редко покидая стены хранилища для предоставления на выставку. Причину «затворничества» удалось выяснить у сотрудника Третьяковской галереи и хранителя живописи В.М. Васнецова: «Сирин и Алконост» - одно из лучших произведений художника, написанных на фольклорно-сказочную тему. Однако, посещая галерею, Вы наверное заметили, что экспозиция каждого зала представлена в виде монографии творчества того или иного художника. Такой научный подход предложил И.Э.Грабарь, и он, безусловно, оправдан. Для того, чтобы показать полотно зрителям, нам пришлось организовать выставку одной картины и убрать из экспозиции 14 произведений, среди них шедевры - «Аленушка», «С квартиры на квартиру» и другие. Эти произведения также очень любят наши зрители и многие ради них специально приезжают в Москву».
Фото с выставки
Несмотря на редкую удачу, подаренную зрителям Третьяковской галерей -увидеть полотно в живую, «Сирин и Алконост» привлекает внимание и без прямого доступа к ней. Это одна из самых сильнейших и пронзительных картин, связанная с народным искусством, славянской мифологией и стремлением Васнецова в своём творчестве к декоративности.
Сюжет картины, без знаний о легенде, довольно трудно поддаётся наиболее полному восприятию и прочтению полотна. С образами райских птиц с женскими ликами — Сирина и Алконоста — связывалось прекрасное и зачаровывающее пение, способное погубить слушателя. Девы-птицы являлись традиционными славянскими символами радости и печали, хранителями древа жизни, символизируя двоякость бытия, единство и различие его светлой и тёмной сторон. Сирин — райская птица, пение которой разгоняло тоску и обещало блаженство, но при этом пение её оставалось опасным и губительным для человека. Песня птицы Алконост, в свою очередь, оплакивает потерянный и невозвратный рай, символизируя собой тихую печаль.
Виктор Михайлович Васнецов. «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали». 1896
Воплощая содержание легенды, художник не ограничивается простым народным сюжетом, который как правило изображался на внутренних стенках сундучков и ларцев. Его композиция отличается декоративностью, несёт в себе черты модерна и стилизации, представляя мифических полулюдей-полуптиц в более сложной трактовке. Васнецов впервые противопоставляет птиц друг другу, наделяя их принципиально разным значением, и подчеркивает это на полотне живописными средствами.
У птицы Сирин тёмное оперение, измождённое, бледное лицо, полные слез глаза и закрывающиеся крылья, у Алконоста — светлое, яркое оперение, румяное лицо, и, наоборот, раскрывающиеся навстречу обещанному раю крылья. Ветки, на которых сидят девы-птицы, показаны на одном уровне и произрастают из одного дерева, однако по разные стороны от ствола. Слева, а эта сторона у славян считалась «дурной», но связанной с сердцем, расположилось воплощение печали и увядания, выраженное в увядающих листьях. Справа, с хорошей стороны, воплощение надежды, радости и наслаждения. Фоном для картины служит утренняя заря. Светлую птицу освещает солнце, темная, напротив, укрывается от наступающей зари. Сирин весь обращен в прошлое, Алконост весь в будущем. Несмотря на зримое противопоставление художником мифических существ, обе девы-птицы едины и неделимы - вечные спутники жизни человека.
Побывав в феврале на выставке картины «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали», получив много впечатлений от её созерцания, и, находясь в поиске истории и описания полотна, мне удалось найти замечательное стихотворение Александра Блока, вдохновившегося картиной В.М. Васнецова, и на этой поэтической ноте хотелось бы закончить мой небольшой обзор:
Густых кудрей откинув волны,
Закинув голову назад,
Бросает Сирин счастья полный,
Блаженств нездешних полный взгляд.
И, затаив в груди дыханье,
Перистый стан лучам открыв,
Вдыхает всё благоуханье,
Весны неведомой прилив…
И нега мощного усилья
Слезой туманит блеск очей…
Вот, вот, сейчас распустит крылья
И улетит в снопах лучей!
Другая — вся печалью мощной
Истощена, изнурена…
Тоской вседневной и всенощной
Вся грудь высокая полна…
Напев звучит глубоким стоном,
В груди рыданье залегло,
И над ее ветвистым троном
Нависло черное крыло…
Вдали — багровые зарницы,
Небес померкла бирюза…
И с окровавленной ресницы
Катится тяжкая слеза…
23—25 февраля 1899
Александра Франчук, 3 курс ФТИИ

Дневник. Игра в Гомбровича.

Дружественная творческим вузам Александринка (отдел молодежных проектов) дала возможность посетить премьеру показа спектакля «Дневник. Игра в Гомбровича». Спектакль не обычный – "лабораторный", именно этот спектакль стал итогом конкурсного проекта Александринского театра «Лабоатория’17», где из overшестидесяти заявок разных молодых режиссеров было отобрано пять, а из пяти за неделю сделанных (на репетиции финалистам дали 7 дней) к постановке на новой сцене был рекомендован именно этот, спектакль двадцатисемилетнего режиссера Бениамина Коца.
И вот Александринка прислала приглашение.
Сам факт обращения к тексту Гомбровича, незаслуженно мало известного в России писателя, уже показался мне любопытным. Подстегнуло любопытство еще и желание узнать, кого выше других оценили Рощин с Театральной коллегией (в рамках «Лаборатории»). Хотя, эксперименты Новой Сцены мне уже известны, в общих чертах. Но отказаться от просмотра того, что безрассудная молодежь сделает с абсурдом и занудствованием Гомбровича, не представлялось возможным.
И более, чем не зря.
Вообще, мне трудно себя назвать малотребовательным зрителем. Но этот спектакль вызвал те чувства, которые мне не приходилось испытывать от зрелищ уже давно. Вдруг он напомнил, как должно воздействовать искусство. Что должно оставлять после себя в душе и голове зрителя. Эти полтора часа оказались камерным откровением, частным апокалипсисом, личным тайфуном смыслов и эмоций. Наконец задачей творцов (а этот спектакль создавался не одним демиургом, а усилием переживаний и мыслей всей команды: и режиссера, и драматургов, и самих актеров) стало желание сделать конкретный жест и сказать нечто куда большее, чем то, что главное в жизни счастье, или: война – это плохо, или: я такой хороший и умный. Наконец со сцены мне не навязывали образа мыслей и действий, не читали мораль. Мне просто выбили почву из-под ног, встряхнули. Предложили подумать над устройством мира. Аккуратно вытащили наружу все сокровенное, обнажили самое потаенное, но увлекли вместе посмеяться над этим.
Но все эти боли о собственном долге, о своей роли в жизни, о собственной оригинальности, все это – отдельно взятые ниточки, которые натянулись в ходе игры с Гомбровичем. Кукловод же, явившись зрителю из всесокрывающей темноты, прямо поставил свой вопрос: возможна ли искренность, когда мы тут свами играем в театр, когда текст, который я сейчас произношу, был подготовлен заранее? Как этими средствами поговорить мне с вами честно? Хотя бы с той же степенью честности, как Я говорит с бытием на страницах своего дневника.
Играли Гомбровича сразу пятеро. Впрочем, не всегда Гомбровича, иногда – себя, вовлекая в игру зрителя, облекая тексты прозаика в песню, меняясь местами, временами, языками и мнениями. Но никогда не ударяясь в крайность, где зритель останется в грёзе иллюзии или поймает актера на фальши. Великолепное и уравновешенное «между».
Так просто и мудрено, так печалясь и забавляясь напомнил спектакль Бениамина Коца про два неотложных компонента искусства: искус и искусственность.
Ведь, какая, собственно разница, парадокса ради или со всей серьезностью, искренне или лукавя творец изрекает своё незыблемое слово.
Вера Леонова, 4 курс ФТИИ

Разговор с художницей Марией Ивановой-Очерет

Часть первая

Как вы считаете, зачем художнику нужно выставляться?
Для художника выставляться – это самое главное, для его продвижения карьеры, для чего бы то ни было, что не связано чисто с процессом созидания. На самом деле, выставочная деятельность – главный инструмент его узнаваемости, не смотря на то, что так развиты сейчас соц. сети, не смотря на то, что есть интернет, тем не менее, если он не светится, не делает себе постоянно выставок, всё равно максимальное число узнаваемости его проходит через его экспозиции. Поэтому совершенно необходимо оф-лайн делать периодически выставки. Другое дело, что у художников, я бы сказала у всех, есть такая проблема: картина пишется некоторое время, а до того, как ее написать, ее нужно задумать, потом организовать работу над ней, этот замысел надо еще выносить какое-то время, потом это надо сделать, потом оформить, сделать некоторое фотографирование ее, надо показать каким-то искусствоведам, написать про нее какой-то текст, сопроводить ее чем-то, только тогда она должна быть в принципе выставлена. Это довольно долгий путь, и художник делать его часто и много не может, а поскольку он не может делать его много и часто, у него всегда проблема, выставляться или работать дальше. И для всех художников выставочная деятельность и деятельность чисто художественная созидательная – идут в некоторой конфронтации. То есть в какой-то момент, когда накоплено и хочется это выставить, тогда - катарсис, тогда есть работы, которые хочется показать и надо найти место, все подготовить. Но все равно это другая активность нежели интеллектуально-творческая-созидательная. И, значит, после того, как он сделал эту экспозицию выставочную, у него всегда бывает некоторый упадок или наоборот он продолжает некий тур по другим точкам, по другим местам каким-то, локациям и выставочным залам. Но в этом смысле есть некоторое противоречие между выставочной деятельностью и художественной деятельностью. Тем не менее, если художник хочет, чтобы его знали и видели, понимали, узнавали, то не будет делать себе в стол ни рисунки, ни тем более холсты, ни скульптуры. То есть если человек работает на себя, то потом он хочет, чтобы это увидели и что-то сказали ему: да/нет, нравится/не нравится, просто реакция была бы. Поэтому выставка – это очень важно для художника.
Многие люди отдают дань живописи, но приходя в галереи им ставится скучно. Скажите, что мотивирует людей приходить в галереи?
Тут может быть можно уточнить, то есть о ком идет речь?
Речь о том, кто все-таки приходит в галереи? Кто приходит созерцать, смотреть?
Опять же, где находится галерея (смеется). Бывает, что в галерею просто заходит человек, видя, что тут что-то. Так бывает, если мы сейчас говорим о галерейном пространстве, или так сложилось случайно, или человек узнает о выставке, узнает через соц. сети или какую-то рекламную кампанию, может ему рассылку делают на почту, он узнает, и цепляет его что-то, какая-то тема, или конкретный автор, что реже, наверное, но это если речь идет об авторах каких-то известных, но их достаточно мало все-таки. То есть искусство - такая сфера все-таки, вот здесь я готова вернуться к первому поставленному вопросу по поводу скучности, изобразительное искусство, – такая тема, с которой надо уметь взаимодействовать. И, может быть поэтому, потому что есть сложность самого взаимодействия с искусством, поэтому это может скуку вызвать. Но человек идет в галерею, чтобы покантачить. А когда он начинает контачить, бывает облом, он ожидал чего-то большего как-то, но оказалось несоответствие ожиданий.
А какая ваша роль в процессе погружения в искусство приходящего человека?
Речь идет о моей выставке?
О вашей и о вашей работе вообще в целом
Я бы немножко дифференцировала. По совместительству со своей художественной деятельностью, я веду еще деятельность организатора, может быть не совсем организатора буквально, но идеолога, организатора большого процесса, не буквально каждого мероприятия. И есть моя деятельность, где я как художник организовываю свою деятельность. То есть, если я для кого-то организую выставку, то это я организую немножко более в широком смысле. Если речь идет о моей выставке как о художнике, который организует свою экспозицию, то это немножко другая деятельность. Они разняться. Какой вопрос ко мне, как к организатору своей собственной выставки?
Я думаю, что тут как раз имеет значение, то что вы в двух направлениях включаетесь в процесс. В таком случае, лично вам какой более важен, когда вы позволяете людям приходить в галерею, то есть оформляете пространство (вовлекаете в пространство) или та линия, когда вы как живописец даете материал людям. Какая вам сейчас на данный момент интереснее, важнее?
Ну конечно я всегда художник, я в первую очередь художник в любом случае. И важнее мне всегда думать об искусстве своем, о том, как я его вижу, и заниматься этим. Но есть такое понятие, я считаю для себя, я его выработала довольно давно, много лет назад, я скажу об этом немножко пафосно, «налог на таланты». Если у тебя есть нечто, какие-то способности, таланты, - есть необходимость ими как-то делиться. Например, я занимаюсь педагогической деятельностью, я преподаю много-много лет. У меня есть ученики, которые учились у меня будучи еще маленькими, потом подросли, стали побольше, чем я значительно, поступили в институты, и кое-кто его окончил. Что такое моя педагогическая деятельность? - это некий налог.
Скажем, они меня поддерживают, как учителя, как педагога, а я поддерживаю их, делюсь с ними возможностями, показываю им методы какие-то интересные, помогаю им быть смелыми в этом вопросе, и показываю им кратчайший путь, как я считаю, например. То есть, я каким-то вещами своими делюсь, потому что я педагог. И то же самое я могу сказать о своей галерейной деятельности. Я занимаюсь этим на общественных началах, это не моя коммерция, наоборот, скорее это инвестиция. Для всех это проект как бы инвестиционный, поскольку искусство - это не горячие пирожки, - оно не отбивается так сразу. И если ты устраиваешь выставку, то рассчитывать на то, что она прямо вся тебе окупиться - это немножко наивно. Скажем так, это инвестиция в собственный пиар, в нечто такое. Но бывают и продажи после выставки и во время выставки. Но буквально рассчитывать, что твои вложения окупятся, причем мгновенно, как, может быть, некоторые полагают, если они делают выставку и оплачивают ее, то они получают сразу же, что она должна окупиться им, то это немножко не так, не совсем реалистично. Тем не менее, я делаю что-то для других художников, я помогаю наладить этот процесс, организовать что-то, организовать общую работу. Поскольку я сама художница, то я человек скорей не системный, и у меня есть немножечко преобладающий либерализм в отношении к коллегам. Мне кажется, что у меня творческий беспорядок в этом тоже немножко царит, но я хочу сказать, что другие художники еще в меньшей степени готовы взять что-то под жесткое руководство и тем более тратить свои собственные время, энергию, силы и средства на какие-то общественные проекты. Поэтому, я отношусь к своей галерейной деятельности как к некоему налогу что ли, на какой-то опыт или на свою ну может быть успешность.
Вы произнесли интересное словосочетание «налог на талант». А что считается минимальным условием таланта?
Талант - такой широкий вопрос. Все-таки надо говорить о проявлении таланта в конкретной деятельности, как человек проявлен в ней. То есть для этого должны быть первое: деятельность, - второе: ее результат. И по результату этой деятельности можно судить, существует талант или нет, скорее всего, если говорить о философском отношении к слову талант. Я считаю, что господь наделил всех талантами достаточно щедро, люди более-менее все одинаково наделены, если говорить по большому счету, какими бы ни было талантами. Другое дело, что один этот талант в детстве прочуял, родители поддержали его, скажем так, он его услышал, развила и не предал в каком-то возрасте, и он у него во что-то стоящее, дельное проявился, так что его еще и другие услышали. Другой к талантам относится в силу, скажем, кармическую какую-то совсем иначе и, соответственно, никаких результатов нету. Может он тоже мастерски мог бы что-то делать, если бы он потратил кучу времени, сил, денег, терпения ну и так далее, то он бы тоже был «ах» в какой-то области определенной. Для того, чтобы говорить о таланте, надо во-первых, иметь деятельность, во-вторых, некий ее результат (необязательно он в рублях или не обязательно в метрах, километрах, в битах или как там, но результат какой-то должен быть в любом виде и об этом результате тогда можно разговаривать).
Как перейти от простого создания произведения к талантливому созданию произведения?
А перейти кому? Кто будет идти?
Тот человек – предполагаемый носитель таланта, раз мы все наделены, по-вашему, талантом.
Он (человек) изначально уже стремится к талантливому созданию, другое дело, что по началу у него может получаться банально. Каждый человек, я считаю, если он что-то делает, стремиться изначально быть талантливым. Но это должно быть некое количество - в качество. Тут надо смотреть, что-то с чем-то все равно сравнивать, рефлексировать как-то, набивать руку или что-то такое, повышать свой уровень. Но всё зависит опять же от максимальной задачи, которую ставит себе художник (или не художник), какая у него задача по итогу, что он хочет, что для него круто. Степень и мера крутизны может быть осмысленна художником только самим в данном случае, ну с помощью кого-то другого, но он сам должен осмыслить, что для него хорошо, и к чему он стремиться. И на каком-то этапе он вполне себе достигает, если ставит перед собой некие задачи, он достигает. Бывают очень сложные ситуации, творческие кризисы. Я могу этот вопрос на примере Башлачева потом, если надо.
Таня Просто (t_prosto)

Музей ядов

В Санкт-Петербурге 16 марта в галерее современного искусства Anna Nova открылась необычная выставка «Музей ядов». Автором экспозиции стал московский художник Илья Федотов-Фёдоров, работающий в направлении биоарт. Основной мотив художественной практики художника связан с обращением к естественно-научному знанию.
Фото с выставки "Музей ядов"
Этот проект на пересечении археологии, биологии и искусства. Художник создает своеобразный музей ядов, артефактов средневековой индустрии противоядий и оберегов от болезней, используя визуальные элементы ядовитых животных и растений.
«Древние племена считали яды и болезни одной субстанцией и использовали для их обозначения одни и те же слова. Люди демонизировали болезни, представляя их в виде чудовищ, и изготавливали от них обереги и ловцов духов. Позднее, в Средние века яд стал практически аристократической алхимией, как и противоядия, приобретавшие более изощренные формы. В то время основой для изучения этой темы были наблюдения за ядовитыми растениями и животными, однако, и до сих пор это одна из самых малоизученных областей биологии. Кроме того, информации про ядовитые вещества практически нет в открытом доступе. В итоге из-за своей сокрытости эта сфера обросла мифами и стала спекулятивным полем для общественного сознания.»
Илья Федотов-Федоров, автор выставки «Музей ядов»
Фото с выставки "Музей ядов"
Также в рамках выставки "Музей ядов" Илья Федотов-Федоров представляет интернет как новую среду обитания человека, где место ядовитых животных и растений занимает информация, которая вполне может оказаться смертельной.
Вот почему наравне с объектами, представленными в экспозиции, можно увидеть тексты из интернета - от опасных диет, способных подорвать здоровье, до сомнительных советов по самолечению, следование которым приводит к летальному исходу.
Таким образом выставка доносит до зрителей глобальную проблему достоверности информации, разграничения правды, вымысла и откровенной лжи.
Фото с выставки "Музей ядов"
«Музей ядов» – это начало исследования, которое художник продолжит в Голландии с апреля по сентябрь 2018 года при поддержке медицинского университета и центральной больницы Амстердама.
Выставка «Музей ядов» производит сильное впечатление и заставляет задуматься над многими вещами, тут каждый найдет для себя нечто новое и необычное.
Стоит сказать, что сотрудники галереи Anna Nova с радостью поддержали проект Ильи и помогли с организацией выставки.
Фото с выставки "Музей ядов"
Галерея на улице Жуковского уверенно берется за молодых авторов и развивает в них настоящих звезд арт-сцены. Anna Nova основана в Петербурге в 2005 году, в настоящее время является одной из ведущих галерей в России. 
Галерея не боится сложных технических задач: в ней для выставок строят то звукозаписывающую студию, то чердак деревенского дома в натуральную величину. Каждая выставка выходит как минимум запоминающейся. Таким образом галерея обращается к наиболее значимым идеям искусства XXI века, открывая широкой аудитории доступ к основным тенденциям современного искусства. 
Фото с выставки "Музей ядов"
В основе галерейной политики совмещены гибкость в отношении концептуальных задач и строгий критерий в отношении качества и уровня технического воплощения проектов. Также Anna Nova выполняет образовательную функцию, это проявляется организации лекций, встреч, мастер-классов, кинопоказов, создавая площадку для общения художников и кураторов, профессионалов, коллекционеров и всех интересующихся развитием современного искусства.
Петрова Елена, 4 курс РГПУ им.Герцена

Что делать музею, когда у него нет денег?

Этот и многие другие вопросы стали темой семинара «Музейный PR», прошедшего 29 – 30 марта в "Музее истории религии".
Финансирование сферы культуры остается неясным вопросом. Музей ищет спонсоров, работает со СМИ. Маркетинг глубже внедряется в музейную среду. Докладчики обменялись опытом по рекламе, PR - сведениями и подсказками по продвижению музея в социальных сетях.
Оргкомитет представили заведующая отделом по связям с общественностью Екатерина Владимировна Волкова, специалист по связям с общественностью Е.С. Кизыма, А.А. Абзалова – ответственный секретарь мероприятия. Участники - музейные работники из городов России – Ярославля, Тулы, Нижнего Новгорода, Чебоксар, Москвы и Санкт-Петербурга. На семинаре обсуждались взаимодействие со СМИ, продвижение музея в социальных сетях, e-mail рассылки, исследование аудитории.
На открытии 29 марта прозвучали доклады, посвященные будущему PR. Анастасия Владимировна Полозова, начальник отдела общественных связей Волго-Вятского ГЦСИ в составе РОСИЗО (г. Нижний Новгород), открыла сессию докладом «Бирюзовый PR или PR будущего».
Е. В. Волкова, зав. отделом по связям с общественностью "Государственного музея истории религии" рассказала об актуальных направлениях развития музея. Далее прозвучал доклад о проектах по материалам международных конференций «Museums and the Web», «Museum Next», «Museum Computer Network», автор которого - Анна Вадимовна Михайлова, PhD, Аналитик управления музейно-туристского развития, ГАУК «МОСГОРТУР» (г. Москва).
Дискуссии велись оживленно. Менеджер по пиару сталкивается с кучей сложностей при создании проекта, который поднимет престиж музея. Начиная с переговоров со СМИ и заканчивая «я не хочу» некоторых научных сотрудников.
Бесплатный музейный пиар – это мечта. (Но иногда мечты сбываются, правда?)
Ведь работа в музее – это не всегда работа в закрытом пространстве. Часто это общение с человеком – со зрителем, с рекламодателем, с представителем СМИ. Экскурсии, специальные программы, а так же взаимодействие с радио, газетами, а еще с веб-сервисами, социальными сетями - эти вопросы предстоит решать и нашим будущим искустсствоведам.
На семинаре также были представлены партнерские проекты музеев. К примеру, проект "Четыре чувства" - экскурсия для слабовидящих, о которой рассказала Алена Сергеевна Гринберг, специалист по связям с общественностью Музейно-выставочного комплекса «Микула» (г. Нижний Новгород).
Состоялись мастер-классы. Например, «10 правил успешной e-mail рассылки», проведенный Марией Витальевной Рахчеевой из Государственного Биологического музея имени К. А. Тимирязева в Москве. Мария Рахчеева поделилась опытом и рассказала как приглашать людей на мероприятия по e-mail. Не спамить! Лучше создавать нестандартный контент, управлять мотивацией и… помнить о федеральном законе «О персональных данных» 152 – ФЗ.
Алия Зейнутдинова, 2 курс ФТИИ